冯长江：当时是这样的.我在第一个画廊做展览的时候，这个画廊的老板就说，这么强烈的色彩在中国我没有见过。在他的文字说明里面，他把我的画叫什么？叫纸上油画。后来我问到他的时候，他说，你光说纸上的色彩，他不明白，一说油画他们就明白了，油画就意味着色彩。油画是光、影、色彩最有说服力的美术作品，所以，他只好用纸上油画来说，虽然听来好玩,也不乏道理,他用他能够向他的客户和收藏家说明的语言在说。
美国一家非商业的官方网站，在里面有五位中国
艺术家，我记得其中也有陈逸飞先生，他们都画得非常好，都是画油画的，这个网站收录了在历史上下两百年之内搜索了全球300位杰出的
艺术家，全是画油画的，而只有我是独一无二的纸上的中国画。所以说，欧美人不喜欢中国的纸上画的说法有点偏激。问题不在于是布是纸，而在于布和纸上的语汇。
记者：您对目前咱们中国所谓的“当代艺术”怎么看？
冯长江：当代艺术这个叫法没有什么特别。首先说,什么叫当代艺术?也就是生活在当代的人的艺术,你只能用当代生活的感受去搞艺术,你的艺术本来就是当代的,为什么要搞得那么玄？还冠以什么前卫艺术,超现实艺术之类名衔吓唬人!但是据我所知有一批年轻
艺术家在色彩工艺方面都下了很大功夫，但是他们不知名，没有人推崇。据我所知，在美国，搞这种当代艺术展览，观众是很少的，大概是因为看不懂吧。前一段时间，当代艺术的作品价值被炒得很高，这是一场游戏，现在我们冷静了，清醒了，自己的文化、自己的艺术肯定是植在自己的国土。民族性就是排他性，如果没有排他性，就不可能有民族性。
排他性减弱了，盲目地接受人家的东西，离开了自己的根基,可以吗？可能生存吗？所以，
艺术家不可以做任何离开自己民族根基的事。在这一问题上我始终十分清醒。艺术品就是艺术品，它所产生的价值和画家投入的劳动要成正比，任何事情都是这样，你超乎它的比例，超乎它的正常规律，就会失衡，都是不正常的。所以，我跟我的代理商都讲了，我说我们不搞这一套,不搞炒作，正常运作，根据艺术成就的不断提高，提升它的价值，是逐步的、稳步的、一步一步地在走。有人说，你看某某某画的线都值一百万、两百万，你还是那个老样子?我说他是他，我是我，他的事情不关我的事情，我该怎么做还是怎么做。现在一些画家把自己的画炒到一百万、两百万，甚至上千万，现在摔死了，因为他上的太高了，违背了事物正常发展的规律。
记者：再问您一个问题，就是目前国内艺术界大家都很关注的创新问题，您是怎么看的？
冯长江：现在创新几乎变成一种时髦的口头禅。当然,没有创新世界就黯然失色,人类就无法进步。但是,创新不是谁人都能来得了的,它是有条件的,创新需要具备相当的智慧和能力,任何事都是如此。做为一位画家你没有足够的学识,没有足够的对自己民族文化遗产的学习和研究,没有足够的绘画艺术技能的把握,就没有资格奢谈创新。创新是对未来事物的创造,对未来事物的现在和过去一无所知,也就根本无法去创造! 大文豪维可多?雨果有句名言：“要知道未来世界,请将现在世界各处走遍！”这是一位智者对世界反思的绝唱!我们要花时间和精力审视周围的世界，熟知旧的事物，你才有可能知道怎样去创新。绘画的创新，还要深入了解研究绘画语汇，它是无声的东西，比如色彩，本身是没有语汇的，如果不用你的智慧将它编织的话，它就只能是一片颜色。要通过画家的智慧让色彩说话，色彩才会有感情。利用色彩造成的视觉的感染力，才会有语汇。有些画家在画面上涂抹一些红红绿绿的颜色自以为是创新，就以为有了色彩语汇，这真的很好笑，过于肤浅了。还有些人把训练严格的造型能力说成守旧和落伍，更是荒诞了！其实这是狐狸的哲学：夠不着葡萄就说葡萄是酸的不好吃。热衷于搞一些跟别人不一样的东西，甚至是奇奇怪怪别人根本看不懂的东西就以为是创新，这本身就是一种奇怪。总之，创新的最后结果便是要好，要有令人愉悦、令人欣慰、令人感动、令人振奋的东西在里面。
记者：的确，我们现在的绘画不多见有丰富色彩语汇的作品，色彩是怎样表达情感的？
冯长江：色彩这个东西你首先要喜欢它才能感觉到它的价值，我对色彩有着天生的敏感。我在二十多年前出版我的第一本画册自序里这样写到：“……当我有了记忆的时候，脑海里泛起一叶叶神奇的小舟，象七色的花瓣洒落在清澈的小河，于是我做起梦来，自然那梦也是七色的……”我就是带着七色的梦幻渡过我人生的年年月月。看到了这样一幅照片连环图：一位指挥家把自己的指挥音乐的场景用色彩做了一个蓝图，非常有意思，我一直都保存着这张图片，后来因频繁搬家弄丢了。一个长条的，有十几个画面，从深深的非常冷非常沉静的深蓝的颜色开始，然后慢慢过渡，到蓝，然后到天蓝，然后变成蓝绿，以此循序渐变,然后变成黄、深黄、橘黄、朱红、大红、鲜红，形成一个有序的色谱，就是由冷到暖渐变的一个色谱。有意思的不是这个色谱，而是在每个色谱里都有指挥家的形象。在深蓝色里指挥家把头深深地俯低下去，指挥棒沉重地指向着地面，非常沉重、压抑，随着色彩由深到浅由冷到暖的渐变,指挥家的情绪再不断地变化，到了朱红、大红的时候，指挥家头部高扬，双臂振奋，指挥棒直指天空，进入很绚丽很辉煌的时候，那个指挥家简直疯了！
乐章的变化就是情感的变化。利用这个色谱的冷暖颜色渐变及指挥家情绪的变化，形象的表达了色彩的情感。这张图片是我当时在苏联时期的画报看到的，俄罗斯一个很有名的指挥家编的。音乐本身的感染力，沉重的、悲哀的、欢乐的、喜庆的、辉煌的、激烈的、恐怖的，可以用声音来给你造成耳朵的听觉，让你感染。色彩一样，也是通过你的视觉给你造成。如比追悼会，颜色都非常暗，大幅的黑色、人们的服饰也是深灰色，配以低沉缓重的音乐造成一种压抑、悲伤的气氛。结婚的时候用红的，很喜庆，很张扬的颜色，很膨胀，热烈欢庆。绿色很和谐，使人赏心悦目。白色清雅洁净、有神圣之感。紫色感觉有凝重力。桔色感到有丰富的想象力，如此等等。这就是思维，这就是语汇。把这种思维用这种语汇的模式，通过自己对绘画的理解，编在你的绘画中，让它变成绘画的语言。这才算数。
记者：有些画可以让你忽略他的技法，通过融入画家思维和激情编织的语汇，常常感动读者，使读者直接走进
艺术家的内心世界，而忽略了他的技法，这应该是绘画艺术的魅力所在。
冯长江：没错！我刚到纽约，就急冲冲地跑到大都会博物馆，去看那梦寐以求的经常在印刷品看到的世界名著。的确我被震了！最震惊的就是伦勃朗那张著名的自画像。我小时候上中学的时候用水彩临摹过，非常喜欢，做梦也没想到我能看到他的原作！我没有被他的高超技巧、色彩应用去折服，静静的领略大师的艺术品，欣悦地享受着大师传递给我的灵魂震撼美好，慢慢地走进他的世界。我站在他的画前良久，我终于明白了，他为什么这样，为什么用这样的方法处理画面：因为大师根本就没有想用什么样的技法去完成这幅作品，只有大师所感觉到的一切，只有深蕴在胸的激情。看着表面绘画很平静，但是他的激情、他对于那种人性的理解生命的诠释力量无法不让我震撼！原来我们看到他画面那些强烈质感的东西，觉得非常精彩，一定像我们的工笔重彩一样细细刻画，其实不然，只是画一种感觉的东西，他看到的感受的东西。所以绘画是视觉艺术，在视觉上做文章，用视觉的感染力俘虏读者正是绘画艺术魅力所在。我明白了大师的非凡造诣所在，就不会因为他是大师就被他迷惑。在大师的世界里我取回了我们工笔重彩绘画需要的东西。就是远看的大效果，这是他们的精华，我拿过来了。但近看，我们的工笔重彩更有的看，且耐看，这是我们中国绘画的特色，我们中国人的东西，这才是我们的传统。所以，我的画都力求做到这一点。有些画近看还行，远看没结果，远看还不错，近看却没东西，这都不成。所以我们常说的借鉴，根本不是形式上的借鉴、笔墨的借鉴、材质的借鉴、技法的借鉴。
总之，任何艺术永远不会有固定的程式， 世界任何一方也永远不会拒绝美好的艺术品。
记者：好的，谢谢冯先生。
最新评论